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Vida y obra de Leonora Carrington, activista y artista. stars

Leonora Carrington fue una artista, novelista y activista inglesa. Ella formó parte del movimiento surrealista de la década de 1930 y, después de mudarse a la Ciudad de México como adulta, se convirtió en miembro fundadora del movimiento de liberación de mujeres de México.

En 1935, Carrington asistió a la Escuela de Arte de Chelsea en Londres por un año, pero luego se trasladó a la Academia de Bellas Artes Ozenfant de Londres , donde pasó los siguientes tres años estudiando su oficio. Su familia no se oponía abiertamente a sus actividades artísticas, pero a estas alturas, tampoco la alentaban activamente.

 

En una exposición en Londres en 1936, Carrington encontró el trabajo de Max Ernest , un surrealista nacido en Alemania que tenía 26 años mayor que ella. Ernst y Carrington se conocieron en una fiesta en Londres el año siguiente y rápidamente se hicieron inseparables, tanto artística como románticamente. Cuando se mudaron a París juntos, Ernst dejó a su esposa y se mudó con Carrington, construyendo una casa en el sur de Francia.

 

En la década de 1970, Leonora se convirtió en una voz para el movimiento de liberación de mujeres en la Ciudad de México. Ella diseñó un cartel, llamado Mujeres conciencia , para su movimiento. En muchos sentidos, su arte abordaba los conceptos de identidad de genero  y feminismo, lo que la hacía ideal para trabajar con su causa. Su enfoque era la libertad psicológica, pero su trabajo era principalmente hacia la libertad política de las mujeres (como un medio para alcanzar este objetivo final); ella también creía en la creación de esfuerzos cooperativos entre los movimientos en América del Norte y México.

Carrington murió en la ciudad de México el 25 de mayo de 2011, a la edad de 94 años. Su trabajo continúa mostrándose en exposiciones en todo el mundo, desde México hasta Nueva York y su Gran Bretaña natal. En 2013, el trabajo de Carrington tuvo una gran retrospectiva en el Museo Irlandés de Arte Moderno de Dublín, y en 2015, un Doodle de Google conmemoró lo que habría sido su 98 cumpleaños. En el momento de su muerte, Leonora Carrington era una de las últimas artistas surrealistas supervivientes y, sin duda, una de las más singulares.

El surrealismo: ¿Cuál fue la influencia de la fotografía en el surrealismo?

La influencia de la fotografía y surrealismo en Georgia O’Keeffe

Influencia de la fotografía

O’Keeffe causó gran revuelo en el mundo del arte cuando, en 1925, Stieglitz exhibió sus pinturas a gran escala de pinturas de flores, ampliadas y recortadas. O’keeffe y Stieglitz formaron una gran asociación, incluido el matrimonio, y cada uno inspiró al otro como artistas durante toda su vida. De Stieglitz y algunos de los otros fotógrafos cuyo trabajo promovió, como Paul Strand y Edward Steichen, O’Keeffe aprendió la técnica de recortar y llenar el marco de la cámara, o lienzo, con su lema.

O’Keeffe incorporó las técnicas de otros artistas y fue especialmente influenciado por el uso que Paul Stand hace de los cultivos en su primera fotografía; fue una de las primeras artistas en adaptar el método de objetos estadounidenses únicos que fueron altamente detallados aún abstractos.

La fotografía y la pintura han influido mucho entre sí.

Influencia del surrealismo

El cambio de siglo también trajo cambios en el estilo de pintura tradicional. El surrealismo y su énfasis en la psique humana, se desarrolló en Europa a mediados de la década de 1920 y muchas pinturas surrealistas se mostraron en las galerías de New York en la década de 1930.

O’Keeffe, ella misma era amiga de la pintura mexicana Frida Kahlo, que algunos consideraban surrealista, famosa por sus tortuosos autorretratos después de haber sido herida de forma devastadora en un accidente d eautobús. Algunas pinturas de O’Keeffe del suroeste de Estados Unidos durante ese tiempo, aunque no intencionalmente surrealistas, mostraban signos de esa influencia, con pinturas como “Summer Days”, 1936 que incluía una calavera y flores flotando en el cielo. En plena floración: el arte y la vida de Georgia O’Keeffe, una biografía completa de O’Keeffe, el autor “Hunter Drohojowska-Philp escribe:

“O’Keeffe había expresado su interés en tratar de lograr una cualidad onírica en su propio arte, y Nuevo Mexico, que abundaba en misticismo hispano e hindú y un desierto vacío plagado de esqueletos de animales, proporcionaba un paisaje surrealista. Muchas de sus pinturas desde los años treinta y cuarenta tiene una apariencia surrealista, aunque el artista nunca tuvo en cuenta las teorías restrictivas propuestas en 1925 por el arco-surrealista André Breton”.

O’Keeffe estaba bien informado y consciente de lo que sucedía en el mundo del arte a su alrededor, y aunque se dejó influenciar por él y absorbió parte de él, permaneció fiel a sí misma y a su visión artística a lo largo de toda su vida, creando arte que ha transcendido con el tiempo.

¿Qué es el surrealismo?

El surrealismo, el magnífico arte de los sueños

¿Cómo nació el surrealismo?

El surrealismo desafía la lógica, los sueños y el funcionamiento de la mente subconsciente inspiran el arte lleno de extrañas imágenes y extrañas yuxtaposiciones.

Los pensadores creativos siempre han jugado con la realidad, pero a principios del siglo XX el surrealismo surgió como un movimiento filosófico y cultural. Impulsados por las enseñanzas Freud y el trabajo rebelde de artistas y poetas dadaístas, surrealistas como Salvador Dalì, Tené Magritte y Max Ernst promovieron la asociación libre y las imágenes soñadas.

Los artistas visuales, poetas, dramaturgos, compositores y cineastas buscaron formas de liberar la psique y aprovechar reservas ocultas de creatividad.

Cómo el surrealismo se convirtió en un movimiento cultural

El arte del pasado lejano puede parecer surrealista para el ojo moderno. Dragones y demonios medievales.

El pintor italiano del Renacimiento Giuseppe Arcimbolo (1527-1593) usó efectos trumpe L’oeil para representar caras humanas hechas de frutas, flores, insectos o peces.

El artista holandés Hieronymus Bosch (1450-1516) convirtió animales de corral y objetos domésticos en monstruos terroríficos.

Los surrealistas del siglo XX elogiaron “El jardín de las delicias” y llamaron a Bosch su predecesor. El artista surrealista Salvador Dalí puede haber imitado a Bosch cuando pintó la extraña formación rocosa con forma de cara en su obra maestra increíblemente atrevida. Sin embargo, las escalofriantes imágenes que Bosch pintó no son surrealistas en el sentido moderno.

En contraste, los surrealistas del siglo XX se rebelaron contra la convención, los códigos morales y las inhibiciones de la mente consiente. El movimiento surgió de Dada, un enfoque vanguardista del arte que se burlaba del establecimiento, las ideas marxistas desataron un desdén por la sociedad capitalista y una sed de rebelión social.

Las escrituras de Sigmund Freud surgieron que las formas las formas más altas de la verdad se pueden encontrar en el subconsciente, además, el caos y la tragedia de la primera guerra mundial estimularon el deseo de romper con la tradición y explorar nuevas formas de expresión.

En 1917, el escritor y crítico francés Guillaume Apollinaire utilizó el término “surréalisme” para describir Parade, un ballet de vanguardia con música de Erik Satie, vestuario por Pablo Picasso y la historia y coreografía por artistas destacados. Las facciones rivales de los jóvenes parisinos abrazaron el surrealismo y debatieron acaloradamente el significado del término.

El movimiento se lanzó oficialmente en 1924 cuando el poeta André Bretón publicó su primer manifiesto del surrealismo.

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